Топ-100 самых известных русских художников

Любительница натюрмортов из Милана Феде Галиция(1578-1630)

Эта художница была настоящим вундеркиндом. Увидев рисунки двенадцатилетней Феде, известный маньерист и теоретик искусства Джованни Паоло Ломаццо сразу распознал в ней большой талант. « прекрасно копирует самые сложные произведения искусства,» — писал он.

В 16 лет Феде уже зарекомендовала себя как искусную портретистку. От отца, миниатюриста Нунцио Галиция, она унаследовала тонкость письма и скрупулёзность в изображении мелких деталей, что высоко ценили её заказчики. Но настоящей страстью Феде были натюрморты — она стала первой женщиной в Италии, работавшей в этом жанре.

Феде Галиция «Вишни в серебряной чаше» / Частная коллекция

44 из известных 63 её полотен изображают вазы с сочными персиками, чаши, наполненные спелыми вишнями, ветви винограда. Её работы камерны и элегантны: художница избегала нагромождения элементов, выбирала простые композиции и естественные оттенки.

О личной жизни Феде известно мало: она отказалась от замужества, зато много путешествовала и работала. По оценкам искусствоведов, её творчество повлияло на развитие барочного натюрморта и даже вдохновило Караваджо при написании его знаменитой «Корзины с фруктами».

Art: Лавиния Фонтана «Автопортрет с клавикордом и служанкой» (1577) / Галерея Академии Святого Луки, Рим

Пабло Пикассо (1881-1973)

В 2009 году газета The Times опросила 1,4 млн человек на предмет того, кто был лучшим художником за последние 100 лет. С внушительным отрывом победил Пабло Пикассо, что лишний раз доказывает его влияние.

Основоположник техники кубизма, он считается также самым дорогим художником: только официальные продажи его картин составляют почти 300 млн долларов, а полотно «Алжирские женщины», проданное в 2015-м за 179 млн – самая дорогая картина в истории аукционных торгов.

Первые фильмы о знаменитом художнике с французскими и испанскими корнями были сняты еще в 50-х годах прошлого века при жизни Пикассо, и он даже появлялся в них в роли самого себя.

Помимо этого стоит выделить ленту «Прожить жизнь с Пикассо» 1996 года, в которой главную роль исполнил Энтони Хопкинс.

Пабло Пикассо. Разный и ищущий.

Пабло Пикассо. Автопортрет. 1907. Национальная галерея Праги. Musei-mira.com.

Этот известный ловелас прославился не только частой сменой муз, но и частой сменой художественных направлений. В начале XX века он создал немало работ в “африканском стиле”, когда вместо лиц он рисовал маски экзотических племён. Потом был кубизм, а ещё абстракционизм и сюрреализм.

Пабло Пикассо. Герника. 1937. Центр искусств королевы Софии. Picasso-Pablo.ru.

Вершиной его творчества можно назвать эмоциональную «Гернику» (см. выше), посвящённую разрушенному войной городу. Символ страдания и варварства.

Именно Пикассо придумал соединять в портретах анфас и профиль, разбивать предметы на простые фигуры, собирая в удивительные формы.

Он изменил весь ландшафт изобразительного искусства, обогатив его революционными идеями. Разве мог кто-то до Пикассо так написать портрет знаменитого мецената Амбруаза Воллара?

Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара. 1910. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва. Arts-museum.ru.

Елена Поленова

Елена Поленова — сестра знаменитого живописца Василия Поленова. Она родилась в 1850 году в Санкт-Петербурге. Елена стала одной из родоначальниц модерна в русской живописи и одной из первых художников-иллюстраторов детской книги. 

В семье Елены был домашний учитель рисования — студент Академии художеств Павел Чистяков. Она будет всегда называть его главным педагогом в жизни. В 14 лет Поленова поступила в Санкт-Петербургскую рисовальную школу Общества поощрения художеств (ОПХ), где её наставником был Иван Крамской. В 19 лет Елена отправляется в Париж и поступает в студию Шарля Шаплена. 

Во время русско-турецкой войны Поленова встречает свою первую и единственную любовь — врача Алексея Шкляревского. Ее родители выступают против брака, Елена отчаивается и решает посвятить жизнь искусству. 

В 1878 году она возвращается к обучению в Школе Общества поощрения художеств, занимается в двух классах: акварельном и керамическом. За работы по керамике она получила несколько медалей и деньги на поездку в Париж — это был исключительный случай, обычно женщины пенсионерских денег не удостаивались. 

В Париже Поленова училась в керамической мастерской русских художников и у французских мастеров. После возвращения в Россию она открыла класс майолики, где преподавала живопись по фарфору. 

Елена Поленова «На дворе зимой», 1885 г., Государственная Третьяковская галерея

В 1882 году Елена переезжает в Москву, где знакомится с семьей Мамонтовых и входит в знаменитый Абрамцевский кружок Саввы Мамонтова. В 1885 году вместе с женой Мамонтова Елизаветой они организуют мастерские для обучения крестьян традиционным русским ремеслам.

Сама Елена создавала и акварельные пейзажи, и костюмы для спектаклей, и эскизы для вышивки и обоев, и орнаменты для икон. Она много путешествовала по деревням, интересовалась фольклором, рисовала уникальные эскизы мебели и предметов утвари. 

Одна из ее главных заслуг — иллюстрации для детских книг. Она проиллюстрировала сказки: «Дед Мороз», «Волк и лиса», «Иванушка-дурачок», «Избушка на курьих ножках». При ее жизни вышла лишь одна книга — «Война грибов», для которой она разработала весь макет, в том числе шрифт, орнаментальные вставки и иллюстрации.

Поленова умерла после болезни, когда ей было всего 47. При жизни она участвовала в выставках Московского товарищества художников, Товарищества передвижников и «Мира искусства». Долгое время Елена оставалась в тени знаменитого брата, лишь в 2011-2012 годах прошла ее первая большая персональная выставка в Третьяковской галерее.

Аристократка из Кремоны Софонисба Ангвиссола(1532–1625)

На своих автопортретах Софонисба предстает перед зрителем сосредоточенным, спокойным и абсолютно уверенным в себе художником. Ещё бы! Она стала первой женщиной, которая добилась общественного признания и построила впечатляющую карьеру портретистки.

Когда девушке исполнилось 14, отец отдал её на обучение к Бернардино Кампи, известному в Ломбардии художнику. Тот научил молодую аристократку грунтовать холсты, варить масло и смешивать пигменты. После чего Софонисба отправилась в Рим, где познакомилась с самим Микеланджело. Маэстро сразу распознал в ней незаурядный художественный талант.

Софонисба Ангвиссола «Игра в шахматы» (1555) / Национальный музей в Познани, Польша

Софонисба была не просто технически подкованным мастером, но и новатором. Её полотно «Игра в шахматы» стало одним из первых, где были изображены реалии домашнего быта. Успех пришел к девушке довольно скоро: герцог Альба, впечатленный её работой, отрекомендовал молодую художницу испанскому королю. Так началась придворная жизнь талантливой итальянки.

Следующие пару десятков лет она писала официальные портреты королевской семьи, находясь на полном содержании и получая достойную оплату. А за портрет короля Софонисбе и вовсе назначили пожизненную пенсию в 200 дукатов — совершенно немыслимая сумма для незамужней женщины эпохи Возрождения.

Антонис ван Дейк «Портрет Софонисбы Ангвиссолы» (1624) / Ноул-хаус, Севенокс

Художница оказалась новатором не только в искусстве. Её решение повторно выйти замуж в 47 лет за капитана корабля, в которого она влюбилась буквально с первого взгляда, даже сейчас кажется довольно смелым. Брак оказался счастливым: муж души в ней не чаял и ничуть не ограничивал в творчестве.

А творила Софонисба много и вдохновленно — свой последний автопортрет написала в 88 лет. На склоне лет она даже выступила моделью для молодого Вай Дейка. Впоследствии тот признавался, что общение с художницей помогло ему многое узнать об истинных принципах живописи.

Лавиния Фонтана «Автопортрет в студии» (1579) / Галерея Уффици, Флоренция

Немецкий художник Георг Базелиц

Георг Базелиц (Georg Baselitz) родился 23 января, 1938 года в городе Каменц, коммунальной общины Дойчбазелиц. От места своего рождения и происходит творческий псевдоним художника, настоящие имя которого Ханс-Георг Керн. Современный художник учился в Высшей Школе искусств в Восточном Берлине. Однако в 1957 году был исключен из-за незрелости политических взглядов. Переехав в ФРГ, Георг Базелиц все же получил высшее образование и закончил аспирантуру в области изящных искусств в 1962 году. В этот же период он официально сменил фамилию на Базелиц. Первую свою персональную выставку Георг провел в 1963 году. Его работа «Большая ночь в канаве» вызвала неоднозначную критику и немецкого художника обвинили в творческой непристойности. На данный момент эта необычная картина находится в музее Людвига в Кельне, Германия.

Самым узнаваемым стилем и техникой живописи художника являются перевернутые абстрактные фигуры в его картинах, которые он начал рисовать с 1969 года. В это же время Базелиц приступил к созданию масштабных скульптурных инсталляций из окрашенного дерева. Георг Базелиц является современным абстрактным художником, который пытается реабилитировать это направление живописи, вводя в сюжеты своих работ более узнаваемые фигуры и образы. Он использует нарочито грубый стиль, напоминающей по своей технике некоторые работы психологического кубизма Джорджа Кондо, но отличающийся от последнего явно выраженным экспрессионизмом.

«Девушки из Олмо II», 1981, масло, холст
«Ухмылка Гринберга», 2013, масло, холст
«Пожиратель апельсинов», 1981, масло, холст
«Очень большой Франц Пфорр», 2006, масло, холст

Туве Янссон

Иллюстратор, график. Родилась в 1914 году в Финляндии, дочь скульптора. Окончила Колледж искусств в Стокгольме, совершенствовалась в Европе. В 26 лет придумала и нарисовала смешное существо с круглым брюшком и доверчивой мордочкой — Муми-Тролля. В 1938 году написала первую книжку про это существо, его папу, маму, дом и друзей — «Муми-тролль и большое наводнение». В 1949 году вышла «Шляпа волшебника», также проиллюстрированная Янсон, — и мир охватила муми-мания. Создательница муми-троллей всегда утверждала, что она в первую очередь художница и картины значат для неё больше, чем сказки. Янссон расписала мэрию Хельсинки, несколько церквей и общественных зданий.

Помимо перечисленных свой след в истории искусства оставили ещё сотни женщин. В статье не рассказано об Анжелике Кауфман, Софье Дымшиц, Фриде Кало, Софии Ласкариду, Елене Гуро и многих, многих других.

Помните, что творческие способности могут проснуться в самый неожиданный момент, и даже если вам не светит выставка в Салоне или Манеже, живопись облагораживает душу. Окуните ваши кисти!

Многодетная мать из Болоньи Лавиния Фонтана(1552–1614)

Лавиния Фонтана была тем ещё трудоголиком. Софонисбе, Барбаре и Плаутилле не приходилось задумываться о деньгах — жизнь при дворе, в отчем доме или в монастыре избавляла их от финансовых забот. А вот уроженка Болоньи была вынуждена конкурировать с мужчинами-живописцами за место под солнцем.

Своим творчеством Лавиния зарабатывала своей семье на хлеб и написала сотни картин на заказ. Сначала это были портреты местных учёных мужей и банкиров, которые хотели получить своё изображение за умеренную цену. Но вскоре молодая художница нашла себе более заинтересованных и платёжеспособных клиентов за пределами родного города.

Лавиния Фонтана «Портрет дамы с собачкой» (1590) / Частная коллекция

В то время картина, написанная женщиной, считалась модной экзотикой. И многие знатные дамы, следившие за мировыми трендами, не преминули воспользоваться услугами Фонтаны. Художница довольно быстро завоевала расположение аристократии. Все её модели, будь то скромная невеста, высокопоставленная матрона или скорбящая вдова, выглядели одновременно и благородно, и гламурно. Женщины не могли не оценить такой искусный подход.

Вскоре стали поступать заказы на крупные алтарные работы и фрески, от которых художнице нередко приходилось отказываться из-за очередной беременности. Дело в том, что за 17 лет Лавиния успела родить 11 детей. К сожалению, только трое из них дожили до взрослого возраста (не самая печальная статистика для тех времен). То есть фактически всю свою карьеру она строила, находясь в «интересном положении». И буквально через месяц после родов снова возвращалась к холсту. Был ли её трудоголизм следствием финансовых проблем в семье или, наоборот, способом убежать от быта, история умалчивает. В любом случае, силы воли этой женщине было не занимать.

Феде Галиция «Юдифь с головой Олоферна», предположительно автопортрет (ок. 1610) / Музей искусств Джона и Мейбл Ринглинг, Флорида

Просто жизнь. Топ-3 известных примитивиста

Примитивисты выступали против всяческих форм зависимости и покорности. Их не устраивала чрезмерно сложная жизнь, поэтому они прибегали в своих работах к ее упрощению. Это заставляло зрителя больше сопереживать, нежели обдумывать. Так родились на свет пронзительные картины известного примитивиста Нико Пиросмани, легендарные полотна Ладо Гудиашвили, выразительные натюрморты Ильи Машкова.

Н. Пиросмани. Групповой портрет «Кутеж»

Л. Гудиашвили. Работа «Нико Пиросмани». 1928 г.

Представленный рейтинг топ-100 самых популярных русских художников не претендует на полноту. Кроме названных живописцев вы наверняка найдете немало талантливых мастеров, которые оказали влияние на развитие живописи. Однако надеемся, что этот немалый список поможет вам в целом оценить размах русского творчество и познакомиться с его многообразием направлений.

Рафаэль. Тонкий и вдохновенный.

Рафаэль. Автопортрет. 1506. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Самый знаменитый представитель Эпохи Возрождения поражает гармоничными композициями и лиризмом. Написать красивых людей не так сложно, как грамотно разместить их на полотне. Вот в этом Рафаэль был виртуозом.

Пожалуй, ни один мастер в мире так не влиял на своих коллег, как это удалось Рафаэлю. Его манеру письма будут нещадно эксплуатировать. Его герои будут кочевать из одного столетия в другое. И потеряют свою актуальность лишь в начале 20 века. В век модернизма и авангарда.

Вспоминая Рафаэля, мы в первую очередь думаем о его прекрасных Мадоннах. За свою недолгую жизнь (38 лет) он создал 20 картин с ее изображением. И ни разу не повторился.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Самая известная – «Сикстинская Мадонна».  Мы видим не сухую иконографическую героиню, а нежную мать, полную достоинства и душевной чистоты.

А только взгляните на озорных ангелочков! Такое правдивое изображение детской непосредственности, полное очарования.

Самым дорогим произведением Рафаэля стал на удивление эскиз «Голова молодого апостола». Он был продан на аукционе «Сотбис» за 48 млн. долларов.

Рафаэль. Эскиз “Голова молодого апостола”. 1519. Частная коллекция.

Итальянский живописец, которого ценили современники за мягкость и естественность, сегодня воистину бесценен.

О мастере читайте в статье “Мадонны Рафаэля. 5 самых прекрасных лиц”.

Российский художник Валерий Кошляков

Валерий Кошляков родился 21 июня, 1962 года в небольшом городке Сальск, Россия (РСФСР). На данный момент современный российский художник живет и работает как в Москве, так и в Париже. Он является одним из самых дорогостоящих художников Российской Федерации, и заслуженно заканчивает нашу десятку рейтинга «Лучшие современные художники мира». Его персональные экспозиции открывались как в Третьяковской галерее, так и замке Франконвиль под Парижем. Кошляков пишет свои картины не только на холсте, но и на картоне, а также на склеенном монтажном скотче. Полотна выполнены в мягком сюрреалистическом стиле и перекликаются с работами художника-импрессиониста Джереми Манна по своей технике воспроизведения. Русская живопись Кошлякова затрагивает различные темы, — от символики СССР, до античной мифологии. Великий художник использует узнаваемые размытые мазки и подтеки краски в своих необычных картинах.

«Исчезновение образа», 2011, холст, темпера, акрил, коллаж
«Городские врата» из серии «Империя», 2004, холст, акрил, смешанная техника
«Полигимния», 2008-2013, холст, акрил, коллаж
«Герб», 2006, масло, холст

Берта Моризо

Внучатая племянница Жана-Оноре Фрагонара и ученица Камиля Коро, Берта Моризо стала первой женщиной в кругу французских импрессионистов, к которому примкнула благодаря своей дружбе с Эдуардом Мане. С 1864 года она регулярно выставляла свои работы на престижном Парижском салоне, пока в 1874-м не приняла решение присоединиться к первой выставке импрессионистов. Берта Моризо не только предоставила свои работы для выставки, но и вместе с Моне, Ренуаром, Сислеем и другими членами круга приняла участие в подборе участников. С того момента художница пропустила участие в коллективной выставке импрессионистов лишь единожды, когда ждала ребенка.

Поскольку вы здесь…

… у нас есть небольшая просьба. Портал «Матроны» активно развивается, наша аудитория растет,
но нам не хватает средств для работы редакции. Многие темы, которые нам хотелось бы поднять и которые
интересны вам, нашим читателям, остаются неосвещенными из-за финансовых ограничений.
В отличие от многих СМИ, мы сознательно не делаем платную подписку, потому что хотим,
чтобы наши материалы были доступны всем желающим.

Но. Матроны — это ежедневные статьи, колонки и интервью, переводы лучших англоязычных статей о семье
и воспитании, это редакторы, хостинг и серверы. Так что вы можете понять, почему мы просим вашей помощи.

Например, 50 рублей в месяц — это много или мало? Чашка кофе?
Для семейного бюджета — немного. Для Матрон — много.

Если каждый, кто читает Матроны, поддержит нас 50 рублями в месяц,
то сделает огромный вклад в возможность развития издания и появления новых актуальных
и интересных материалов о жизни женщины в современном мире, семье, воспитании детей,
творческой самореализации и духовных смыслах.

Зинаида Серебрякова

Зинаида Серебрякова (при рождении — Лансере) родилась в 1884 году в имении Нескучное под Белгородом. Ее мать Екатерина Лансере была художником-графиком, отец Евгений — скульптором-анималистом. Среди близких семьи тоже было много творческих людей, а одним из первых учителей был Александр Бенуа.

Первыми работами художницы стали пейзажи, на которых она изображала родные места в Малороссии, сейчас это Белгородская область. В 1900 году Серебрякова поступила в Академию художеств в Петербурге. Учеба там ей не понравилась, она стала заниматься в художественной школе княгини Марии Тенишевой и посещать мастерскую художника-портретиста Осипа Браза. Вскоре, после путешествия по Италии, Зинаида решает учиться живописи самостоятельно, без наставников.

В 1905 году она выходит замуж за своего двоюродного брата — Бориса Серебрякова. Они отправляются в Париж, где художница берет несколько уроков живописи в легендарной Академии де ла Гранд Шомьер. Затем они возвращаются в родовое имение, Серебрякова воспитывает детей и пишет картины, вдохновляясь природой и крестьянским бытом. Одна из самых известных работ этого периода — этюд «Уборка хлеба». Две другие ее работы «За туалетом» и «Зеленя осенью» в 1908 году показали на выставке «Мир искусства» и получили хвалебные отзывы критиков. 

Еще одна важная работа этого периода — ее творческого расцвета — «Баня». На ней изображен обычный банный день крестьянок — сейчас эта картина могла бы стать символом бодипозитива.

Зинаида Серебрякова «За туалетом. Автопортрет», 1909 г., Государственная Третьяковская галерея

Еще одна известная работа Серебряковой «За завтраком», через нее она по-новому открыла жанр детского портрета в русском искусстве. В 1917 году она напишет картину «Беление холста» (она стоит заглавной иллюстрацией к этому тексту) — в изображенных на ней женщинах, по замыслу Серебряковой, заключается душа вечной России. 

В начале 1919 года семья переезжает в Харьков. В этом же году от тифа умирает муж Зинаиды Борис — она остается одна с четырьмя детьми на руках. Но живопись не бросает. Вскоре Серебряковы перебираются в Петербург, где Зинаида напишет чудесную балетную серию из закулисья Мариинского театра. 

В 1924 году Зинаида оставляет мать и детей и уезжает во Францию. Эмиграция затянется на 43 года. Ей удастся побывать в Марокко, где она создаст несколько прекрасных этюдов. 

В 1965 году в Советском Союзе откроется сразу три выставки Серебряковой — в Москве, Киеве и Санкт-Петербурге. Тогда художнице было уже за 80 — ее настигла настоящая слава, музеи скупали картины, альбомы выпускались миллионными тиражами. Через два года Зинаида Серебрякова уйдет из жизни, так и не вернувшись в Россию. Ее похоронят во Франции.

Дочь художника из Равенны Барбара Лонги (1552-1638)

Ещё одна женщина, заслужившая упоминание в легендарном труде Джорджо Вазари. Живописец отмечал «безукоризненное изящество» цветовой палитры полотен Барбары и «хорошую манеру исполнения». Ничего удивительного: девушка была погружена в художественную среду с самого рождения.

Её отец Лука Лонги был известным маньеристом, старший брат тоже занимался живописью. Связь Барбары с семьёй никогда не прерывалась. Всю свою жизнь художница прожила в Равенне, не покидая отчего дома и, судя по всему, так и не выйдя замуж.

Барбара Лонги «Поклонение Мадонны младенцу Христу» (ок. 1605) / Художественный музей Уолтерс, Маунт-Вернон

Единственным интересом Барбары были картины. Она писала портреты на заказ и вела переговоры с меценатами, позировала отцу и даже бралась за работу по росписи церковных алтарей. А её картины на библейские сюжеты можно назвать первой попыткой арт-терапии: изображая себя в смиренном образе праведницы, она пыталась преодолеть грех тщеславия.

К сожалению, большую часть картин Барбара из скромности не подписывала. Исследователи полагают, что отдельные работы, считающиеся сейчас творческим наследием её отца, на самом деле принадлежат её кисти. Сейчас полотна художницы представлены в собраниях Лувра, Национальной Пинакотеки Болоньи и Пинакотеки Брера в Милане.

Софонисба Ангвиссола «Автопортрет у мольберта» (1556) / Замок Любомирских, Ланьцут

Разбитая колонна

Исполнитель: Фрида Кало

Год: 1944

Разбитая колонна (1944) — Фрида Кало  

17 сентября 1925 года, Фрида Кало и ее друг Алекс ехали в автобусе, когда он врезался в уличный трамвай. Из-за серьезных травм, которые Фрида получила в результате несчастного случая, ей пришлось сделать 35 операций за свою жизнь, перенести рецидивы сильной боли. Так же после этого несчастного случая она не могла иметь детей. Работы Кало часто изображают травму, которую ей пришлось пережить в своей жизни, и эта работа является наиболее заметным изображением ее страданий. В этом шедевре тело Кало раскрывается, а осыпающаяся каменная колонна заменяет её позвоночник, символизируя последствия аварии. Ногти впились в лицо и тело; на лице видны слезы, но она смотрит прямо на зрителя. Сломанная Колонна — самое прямое и безжалостное описание агонии, с которой она столкнулась в своей жизни.

Лигия Кларк

К двадцати пяти годам Лигия Кларк уже была матерью троих детей, но это не помешало ей серьёзно заняться искусством: несколько лет она проучилась у лидеров бразильского модернизма в Рио-де-Жанейро, а потом уехала в Париж, где её наставником стал Фернан Леже. Вернувшись в Бразилию, Кларк примкнула к местной художественной тусовке и стала соосновательницей неоконкретизма — утопического эстетического движения, опиравшегося на чистоту формы и исследование национальной идентичности.

В 1960-х годах Кларк начала делать металлических «зверьков» — «bichos». Это абстрактные скульптуры, напоминающие конструктор: Кларк предложила зрителям взаимодействовать с произведением искусства напрямую, меняя его форму и переставляя специально сделанные для этого подвижные детали. Кларк считала, что восприятие искусства не должно происходить исключительно через зрение, и предлагала представлять взаимодействие арт-объекта и зрителя как встречу двух живых существ, которые могут изменить друг друга. Позже художница продолжила исследовать эту тему — она разработала собственную систему арт-терапии и изучала, как взаимодействие с искусством может помочь людям с особенностями развития и разнообразными душевными травмами.

Клод Моне. Красочный и воздушный.

Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886. Частная коллекция.

Моне считается самым ярким представителем импрессионизма. Он всю свою долгую жизнь был предан этому стилю. Когда главные герои – свет и цвет, линии исчезают, а тени вполне могут быть голубыми.

Его «Руанский собор» показывает, как изменяется предмет, если глядеть на него сквозь солнечные лучи. Собор трепещет, живёт в лучах.

Клод Моне. Руанский собор. Закат. 1892-1894 гг. Музей Мармоттан-Моне, Париж

Моне много экспериментировал с мазками, чтобы передать не столько натуру, сколько впечатления от неё. И именно в этом он видел правду. Зачем фотографически повторять пейзаж или предмет?

В последние годы старый художник писал свой сад. Мы тоже можем взглянуть на один из самых живописных уголков этого сада на картине “Белые кувшинки”. Она хранится в Пушкинском музее в Москве.

Клод Моне. Белые кувшинки. 1899. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки XIX и XX веков), г. Москва.

Любовь Попова

Любовь Попова родилась в Московской губернии в 1889 году в богатой купеческой семье. Ее отец был покровителем искусств, а среди родственников по линии матери было множество деятелей культуры, историков и коллекционеров. В 1907 году девушка поступает в студию Станислава Жуковского, а затем переходит в частную художественную школу Константина Юона и Ивана Дудина. Вскоре художница отправится в Италию, где возьмет несколько уроков живописи

Попова много путешествует и по России, что оказывает влияние на ее творческую манеру: она обращает внимание на работы древнерусских мастеров. Также она изучает французскую живопись, некоторые ее работы вдохновлены творчеством Сезанна, где-то слышны отголоски готического искусства. 

Значимым этапом в творческом развитии художницы стала поездка в Париж в 1912 году. Там она знакомится с кубизмом, который вскоре занимает центральное место в ее работах. Летом 1913 года Попова создает кубофутуристическую серию композиций с обнаженными фигурами, в которой французский кубизм сплетается с русским авангардом. В 1914 она выставляется вместе с «Бубновым валетом» и вскоре снова отправляется в путешествие по Италии.

Любовь Попова «Пространственно-силовая конструкция», 1921 г., Государственная Третьяковская галерея

Художница активно занимается кубофутуризмом, создавая, в первую очередь, натюрморты и портреты. Постепенно она приходит к собственному варианту беспредметной живописи, в котором сочетаются и принципы древнерусской живописи, и приемы авангарда.

В 1916-1917 году она участвует в создании общество «Супремус» под предводительством Казимира Малевича. В 1918 выходит замуж за историка искусства Бориса фон Эдинга — через год он умрет от тифа. Попова долго не может прийти в себя и вернуться к работе. В 1921 году она создает цикл «Пространственно-силовых построений» — это будет ее последняя работа. Она оставляет занятия живописью и начинает преподавать. 

Попова сближается с конструктививстами и участвует в их выставке «5 × 5 = 25». С 1923 года начинает заниматься производственным искусством — работает в полиграфии, делает эскизы тканей, проектирует одежду. Любовь также будет работать с декорациями и станет одной из создательниц театрального конструктивизма. Она скоропостижно скончается от скарлатины в 1924 году в возрасте 35 лет.